O perspektywie powietrznej  i roli światła w pejzażu na przykładach dawnych mistrzów, a także na przykładach współczesnych artystów było w poprzednich wpisach.
Dziś coś dla tych, których interesuje wymiar praktyczny.
Dobrze te elementy dostrzec w pracach innych artystów i tym zajmują się wszyscy teoretycy sztuki, ale jak sobie poradzić w praktyce?
Co zrobić, żeby to dobrze narysować?
I od czego zacząć?

Mam dla Was 3 triki, które sprawią, że będziecie umieli naszkicować niemal każdy pejzaż.

1. Niebo i ziemia, czyli: linia horyzontu.

Pierwsza kreska to dobry początek 😉  a jak stanowi ją linia horyzontu, to od razu wiadomo, że będzie dobrze.
Linia horyzontu, to pozioma linia symbolicznie oddzielająca niebo i ziemię (na moim szkicu przebiega w środku kompozycji).
Ustalenie na jakiej wysokości ma się ona znajdować na kartce, to już kwestia Twojego wyboru i indywidualnej kompozycji. Oczywiście warto korzystać z zasad kompozycji, ale o tym innym razem.
Jeśli umieścisz ją w górnej połowie kartki, szkic w większości będzie ukazywał to co na ziemi. Jeśli narysujesz ją nisko, Twoja praca będzie przedstawiała większą część nieba.
Płaszczyzna pod linią horyzontu powinny być mocniej zacieniona i dobrze gdy ta intensywność cienia i kreski rośnie ku dołowi kartki. W ten sposób już na tym etapie tworzymy perspektywę powietrzną w rysunku. Jeśli chodzi o niebo, to na naszej kartce jest to część ponad linią horyzontu. Patrząc na dowolny pejzaż widzimy gradient: jaśniejszy u dołu, stopniowo ciemniejący ku górze. Nasz mózg przyzwyczaił się do widoków, które mamy na codzień, dlatego od razu interpretuje pewne schematy. Na przykład to, co znajduje się na ziemi i ziemię widzimy zwykle  w zdecydowanych, ciemnych barwach, a niebo w jasnych. Dlatego takie przedstawienie na szkicu od razu kojarzy nam się z przedstawieniem pejzażu już na tym etapie.

2. Dal i bliż

Kiedy mamy już taki minimalistyczny pejzaż możemy do niego dodawać kolejne elementy: góry, drzewa, zabudowania itd.

Najważniejsze są 2 kwestie:

pierwsza: aby te elementy były zgodne z perspektywą powietrzną. Czyli te elementy pejzażu naziemnego, które są dalej (więc bliżej linii horyzontu) były delikatniejsze, bardziej rozmazane i mniej szczegółowe, natomiast elementy, które mają dawać wrażenie, że są blisko oglądającego powinny być  wyraźniejsze, mocniejsze i bardziej szczegółowe, tym bardziej im dalej są od lini horyzontu, a bliżej oglądającego.

druga: aby wszystkie elementy były  w odpowiednich proporcjach. Elementy znajdujące się dalej od widza, czyli bliżej linii horyzontu były mniejsze, a te, które są bliżej widza były odpowiednio większe. Dzięki temu zabiegowi wzmacniamy wrażenie głębii i poczucie przestrzeni.

3. Światło i Cień

W wyniku zastosowania 2 poprzednich trików, punktów otrzymaliśmy  już całkiem fajny rysunek. Choć nie ma wątpliwości, że to pejzaż sprawia on wrażenie nieco syntetycznego, płaskiego i nierealnego. Tym, czego mu brakuje jest światłocień.
Z której strony pada światło i jakie ono jest w naturze w danym krajobrazie pozostawiam Waszej obserwacji. Ja na potrzeby szybkiego szkicu moje symboliczne słońce umieściłam z lewej strony.  Zabieg dodania kilku jasnych plam od strony lewego górnego rogu kartki na bryłach drzew i gałęziach pozwolił mi rozświetlić oświetlone partie pejzażu. Zacienienie dodałam przez przyciemnienie drzew i dodanie cienia od prawej i w dolnych partiach brył.

Stosując te wskazówki w każdym pejzażu można osiągnąć bardzo ciekawe efekty głębii i przestrzeni.

Jak ja to robię w rysunku możecie zobaczyć na przykładzie moich prac “Karramba. Bielsko-Biała”, “Jabłkowy sad. Sandomierz”,czy “Perły Bałtyku: Klif w Orłowie”
A więcej moich rysunków i obrazów znajdziecie jak zawsze w galerii Maya

Zapisz się do Newslettera, aby poszerzyć swoją wiedzę i poznawać fascynujący świat sztuki z wielu perspektyw.

Zobacz także:

➡ Jak budować swoją artystyczną karierę?
➡ 10 prostych rad dla początkujących artystów
➡ Jak zacząć zarabiać na wydawaniu inkografii swoich prac będąc artystą?
➡ 7 sposobów na wyrwanie się z impasu twórczego.
➡ Jak zrozumieć przekaz artysty? Obrazy Włodzimierza Kuklińskiego i ich symbolika. Wystawa w galerii Maya

Światło i przestrzeń od wieków fascynują artystów i miłośników sztuki. Wpływają na odbiór krajobrazu, tworzenie głębi, atmosfery, wywoływanie przeżyć i emocji. Od wieków malarze doskonale to rozumieli. Mam swoich mistrzów, których obrazy zostały mi pod powiekami na zawsze i o nich kilka dzisiejszych zdań.

Światło daje życie.

Buduje bryły poszczególnych elementów krajobrazu, pozwala ukazać piękno detalu, tworzy nastrój, wprawia przedstawianą przestrzeń w ruch. Wybitne osiągnięcia w tej dziedzinie należą – wiadomo 🙂 – do impresjonistów. Na mnie wielkie wrażenie zawsze robili: Monet, Manet, Renoir, Pissarro. Wpłynęli oni z resztą nie tylko na mnie, ale na całe pokolenia pejzażystów i ich sposób postrzegania przestrzeni. Impresjoniści otworzyli furtkę do genialnych zabaw światłem: naturalnym, sztucznym, światłem miękkim, kontrastowym, ostrym, refleksem, półcieniem i cieniem, światłem w różnych kolorach…

Impresje  doskonale oddają zmiany światła i atmosfery w pejzażu w zależności od pór dnia, roku. Poprzez zastosowanie różnych odcieni i intensywności kolorów, odpowiednie zestawianie ich ze sobą, operowanie plamą, punktem, warstwami farb, impastami, potrafili budować odpowiedni nastrój obrazu, który z kolei wywołuje w oglądającym niezwykłe emocje i niemal dotykalne wrażenia.

Specyficzny wrażeniowy i dramatyczno-ekspresyjny pejzaż ukazywał w obrazach Wiliam Turner.
Mistrz romantycznej szkoły pejzażowej, również doskonale operował światłem. Jego dzieła, takie jak moja ulubiona “Burza śnieżna” czy “Deszcz, para, szybkość”, ukazują piękno krajobrazu w odsłonie najpotężniejszych sił natury.  Dramatyczny nastrój tworzy tutaj przede wszystkim  światło. Zastosowanie jaskrawych kolorów w zestawieniu z dramatyczną czernią i dynamicznych pociągnięć pędzlem, pozwoliło Turnerowi ujarzmić nieokrzesaną przyrodę i zatrzymać ją na płótnie w chwili jej największej potęgi i nieuchwytności.

Od lewej: Claude Monet: Katedra w Rouen, Wiliam Turner: Burza śnieżna

Perspektywa powietrzna

Odgrywa kluczową rolę w tworzeniu głębi i iluzji przestrzeni w pejzażach.Fantastyczne, romantyczne w nastroju obrazy towarzyszyły mi w młodości przy czytaniu romantycznych wierszy… Cóż, młodość ma swoje prawa.  Dziś dla mnie romantyzm umarł wraz z Krasińskim i Norwidem (obaj ponownie popełnili samobójstwo) ale zostały emocje i obrazy. Te, które wdrukowały mi się w pamięć, robiąc na mnie potężne wrażenie namalował Caspar David Friedrich.

Wykorzystywał perspektywę powietrzną do podkreślania nastroju i duchowej treści. Jego obrazy, takie jak “Wędrowiec nad morzem mgły”, są doskonałym przykładem tego, jak perspektywa powietrzna może nadać kompozycji tajemniczości, ciszy i melancholii.

W młodości również Camille Corot był tym, który pokazał mi pejzaż, jakiego nigdy nie zapomnę. Ten francuski malarz krajobrazów, prekursor impresjonizmu, stworzył pejzaż subtelny, baśniowy i zwiewny. Pomimo, że w jego obrazach przyroda jest przepotężna (ogromne drzewa, czarne konary), Corot umiał tchnąć w nią wiatr tajemnicy, ulotności i baśniowości poprzez rozedrgane liście, wijące się, tańczące gałęzie i drobne postaci ludzkie ożywiające obraz swoim chwilowym zaistnieniem.

Od lewej: Caspar David Friedrich, Wędrowiec nad morzem mgły; Jean-Baptiste-Camille Corot: Wspomnienie z Mortefontaine i Podmuch wiatru.

Światło i perspektywa powietrzna są nieodzownymi elementami w tworzeniu pejzażu. Dzięki nim artyści mogą oddać piękno, grozę, tajemniczość, czy lekkość natury. Ich umiejętne stosowanie sprawia, że obrazy stają się niepowtarzalne i zachwycające. Dlatego pierwszym tematem każdego pleneru który prowadziłam obok proporcji był światłocień i perspektywa.
Mam nadzieję, że ten wpis był dla Was inspirujący i chętnie sięgnięcie po więcej. W kolejnym wpisie pokażę Wam od strony praktycznej jak w szybkim rysunku oddać głębię w pejzażu stosując perspektywę powietrzną, a także jak budować przestrzeń za pomocą światła. A już dziś zapraszam do galerii Maya, gdzie możecie znaleść wiele ciekawych pejzaży.

Zapisz się do Newslettera, aby poszerzyć swoją wiedzę i poznawać fascynujący świat sztuki z wielu perspektyw.

Zobacz także:

💡  5 pejzaży, które musisz zobaczyć! Jak światło i perspektywę powietrzną wykorzystują współcześni artyści.
💡  3 szybkie triki na rysowanie pejzażu. Jak stworzyć pejzaż za pomocą światła i perspektywy powietrznej?
💡  Surrealizm w grafice – dwa spojrzenia: Stasys i Stryjec
💡  7 sposobów na wyrwanie się z impasu twórczego.

Dlaczego uważam, że wydawanie inkografii to ważne i bardzo dobre rozwiązanie dla artystów już wiesz, jeśli śledzisz moje wpisy. Jeśli nie, zapraszam Cię TU.
W tym wpisie powiem Ci w 7 krokach jak zacząć je wydawać i czerpać z nich zyski.

1️⃣ Znajdź Swój Unikalny Styl.
Krok pierwszy i podstawowy, to znalezienie własnego, oryginalnego stylu. Bądź autentyczny. Twórz prace z pełnym przekonaniem i sercem w oryginalny sposób. Jeśli jesteś dojrzałym artystą, to ten krok masz już za sobą i wiesz o czym piszę.
Ale jeśli dopiero zaczynasz swoją przygodę ze sztuką, to stworzenie własnego stylu jest dla Ciebie podstawowym wyzwaniem od którego musisz zacząć przez wejściem na rynek sztuki. Wielu młodych artystów nie zdaje sobie sprawy z tego, że stworzenie własnego stylu jest ważniejsze niż techniczna jakość prac i pierwsze kroki w stronę wejścia na rynek sztuki
Rozpoznawalność dla artysty jest jak woda dla ryby! Zacznij od tego!
Niżej załączam przykłady prac różnych artystów z wypracowanym, świetnym stylem!
Od lewej: Tomek Bachanek, Jan Stokfisz Delarue, Mariusz Lewandowski

2️⃣ Buduj swoją markę.

Wykreuj swoją markę i buduj ją tak, jakbyś malował swój autoportret. Krok po kroku. Twoja wizytówka, strona internetowa, profile w mediach społecznościowych i wszystkie materiały promocyjne powinny odzwierciedlać twój styl i charakter Twoich prac. Bądź spójny, aby wyróżnić się spośród innych artystów!

3️⃣ Zadbaj o jakość!

Zadbaj o to, aby jakość przygotowanych przez Ciebie inkografii była jak najwyższa. Na rynku znajdziesz wybór firm zajmujących się drukiem artystycznym. Wybierz jedną z nich. Przygotuj wysokiej jakości zdjęcia swoich prac, lub zamów profesjonalną digitalizację, wybierz nakład (ilość prac wynosi zwykle od 10 do 100 sztuk, choć zdarzają się mniejsze i większe nakłady), zamów printy, a następnie zadbaj o to, aby każdy był odpowiednio oznaczony unikalnym numerem, tytulem i Twoim podpisem!

4️⃣ Rozpowszechniaj swoje prace.

Bez dobrego marketingu nawet najpiękniejsze dzieła pozostaną niewidoczne. Użyj social mediów, blogów, wystaw, galerii sztuki i  sklepów aby dotrzeć do większego grona potencjalnych klientów. Pokaż światu, co masz do zaoferowania! Dzięki internetowi dziś jest to łatwiejsze niż kiedykolwiek wcześniej.

5️⃣ Buduj relacje z klientami

Zaangażowanie klienta to kluczowy czynnik sukcesu. Właściwie cała praca artysty poza tworzeniem prac, to budowanie relacji z klientami i galeriami. Jeśli jesteś już uczestnikiem rynku sztuki, to wiesz, że aby się na nim rozwijać musisz być aktywny. Jeśli jesteś początkującym artystą zacznij od mediów społecznościowych i internetu, bo to najprostszy początek. Bierz udział w wystawach, targach i wydarzeniach artystycznych. Pokazuj swoje prace w galeriach, na konkursach i plenerach. Spróbuj nawiązać współpracę z galeriami, możesz też brać udział w aukcjach sztuki, ale uważaj (wyniki aukcyjne zostają widoczne na dzisięciolecia)! Twoja aktywność sprawi, że zainteresowanie Tobą i twoimi pracami będzie rosło, a Twoje nazwisko zyska popularność.

6️⃣ Stwórz bogatą ofertę
Nie ograniczaj się do tradycji. Myślenie o sztuce starszych pokoleń artystów odcina ich od korzystania z możliwości jakie daje postęp. Nieprzychylnie patrzą na Inkografie, nie znając i nie rozumiejąc na czym polega ich fenomen. Uznają tylko oryginalny obraz za twór godny artysty 😉 Polski rynek sztuki też się zmienia (i całe szczęście 🙂 ). Pomału schodzi powietrze z nadętych zasad. Podam przykład: kilka lat temu artyści z nurtu surrealistycznego nie byli poważani przez duże galerie, nie było odrębnych aukcji surrealizmu, a najwięksi obecnie reprezentanci nurtu bardziej doceniani byli za granicą niż w ojczystym kraju. Teraz wszystko wygląda inaczej. Kto nie śledzi tych zmian pozostaje w tyle i zwyczajnie traci.
Oprócz printów w limitowanej edycji możesz wydawać plakaty, kubki, kalendarze, puzzle, koszuli, torby i wiele innych. Jeszcze kilka lat temu wymagały one dużych nakładów finansowych ze względu na konieczność zamawiania większych ilości. Dziś można je zamawiać nawet pojedynczo.

7️⃣ Nie poddawaj się!

Podążanie za swoim marzeniem o własnym biznesie i karierze artysty nie jest łatwe. Ja realizuję swoje od ponad 20 lat i wciąż twardo dążę do nowych! Zaczęłam od pierwszych prac na zamówienie, potem własną pracownię, przez otwarcie galerii sztuki w Toruniu, po własną szkołę rysunku i malarstwa… Spełniam swoje marzenia 😀
Dlatego nie poddawaj się!  Trwaj w swojej pasji i nie zważaj na przeszkody. Budowanie kariery trwa lata, dlatego bądź cierpliwy i systematyczny.
Pamiętaj, że trudności to tylko kolejne kroki na drodze do sukcesu!  ?

Zobacz także:

💡  10 prostych rad dla początkujących artystów
💡   Dlaczego Wydawanie Inkografii jest ważne dla Rozwoju Kariery Artystycznej?
💡   7 sposobów na wyrwanie się z impasu twórczego.

Włodzimierz Kukliński Malarz, ilustrator książek i miniaturzysta. Nie chce być utożsamiany z żadnym konkretnym kierunkiem artystycznym, nie uczestniczy też aktywnie w rynku sztuki. Rzadko eksponuje swoje prace na wystawach, nie prowadzi rozwojowej polityki cenowej. Jest wycofany jeśli chodzi o życie artystyczne. Jednak tworzy nieprzerwanie od wielu lat, a jego oryginalne prace można nabyć w bardzo przystępnych cenach “Niepokój” Włodziemirz Kukliński “Koncert na konia czerwca” Włodziemirz Kukliński “Papieros przed snem” Włodzimierz Kukliński Azyl w świecie malowanych kobiet Stworzył sobie swój azyl w świecie malowanych kobiet… Tak, właśnie taki realistyczno-symboliczno-secesyjno-fantastyczny pokój, w którym zamknął emocje i przemyślenia. Jego obrazy są jak zagadki, złożone z kilku warstw wizualno-znaczeniowych, które wzajemnie się przenikają. Ich treść jest ukryta głęboko wewnątrz. Paleta symboli Znaczenie tych obrazów kształtuje się poprzez elementy różnych rzeczywistości. Paleta symboli (owady, liście, fortepiany itp.) ma zawsze swoje uzasadnienie. W Jego kompozycjach są tylko starannie dobrane elementy. Tylko to, co niesie ze sobą znaczenie i nadaje pracy sens.  Emocje i stany ducha Poszczególne gesty, ruch, drżenie, spojrzenie i ujęcie są starannie zaplanowane i przemyślane, często nawet przerysowany aby przedstawić stan psychiczny, stan umysłu modelki – która symbolizuje każdego człowieka. Jest to próba dotarcia do głębi ludzkiego wnętrza i zrozumienia go. Znaczenie symboli Najlepiej znaczenie symboli wyjaśnić u źródła, dlatego w tej kwestii oddaję głos aryście. “Część symboli wynika jakby z samej kompozycji i wymyśla się sama w trakcie powstawania obrazu, część podkreśla aspekt przemijania, czy nostalgii, jeśli o tym jest akurat konkretny obraz. Stąd więc więdnące liście, robale i inne stwory. Papierosy rzeczywiście dość często pojawiają się na moich obrazach. Ale nie jest to oczywiście zachęta, czy propagowanie tego nałogu. “Moje” kobiety palą w chwili zadumy i refleksji. Papieros jakby dopowiada, że znajdują się teraz w chwili jakiegoś zawieszenia. Po stracie czegoś/kogoś lub tuż przed podjęciem ważnej decyzji. Do tego już czysto plastyczny efekt dymu i podświetlenia twarzy przez ognik papierosa zawsze jest dla mnie malarsko atrakcyjny. Fortepiany…. bez muzyki nie sposób żyć i malować. Staram się też, żeby muzyka była obecna również w moich obrazach… rockman z gitarą potrząsający grzywą byłby słabym odniesieniem do klimatów muzycznych, które staram się zasugerować. Choć sam uwielbiam rocka. Niemniej fortepian sam w sobie nadaje elegancję, klimat i tajemniczość o jaką mi chodzi.” Włodzimierz Kukliński Wspólnie z artystą zapraszam Was  do oglądania prac Włodzimierza Kuklińskiego przez cały lipiec 2023 w toruńskiej  galerii przy ul. Ducha Świętego 19.

Obserwuj po więcej, aby poszerzyć swoją wiedzę i poznawać fascynujący świat sztuki: Newsletter
Zobacz także:

💡 Surrealizm w grafice – dwa spojrzenia: Stasys i Stryjec
💡 Jak inwestować w sztukę, nie wydając fortuny? – dowiesz się w kolejnym wpisie na moim blogu.
💡 Dlaczego warto kupować grafiki i które mają największą wartość? 
💡 7 sposobów na wyrwanie się z impasu twórczego.
💡Dlaczego Wydawanie Inkografii jest ważne dla Rozwoju Kariery Artystycznej?

Dużo piszę o grafice w kontekście printów. Ponieważ jest to temat aktualny. Ale kiedy mówię grafika, często myślę też: grafika warsztatowa. Myślę tu o technikach druku dawnego, który obecnie żyje jeszcze w postaci grafiki artystycznej. W galerii zetknęłam się z wybitnymi artystami, o których grafiki często mam pytania i wielu zainteresowanych klientów.

Chodzi o Ryszarda Stryjca i Eidrigeviciusa Stasysa.

Twórczość Stryjca jest pełna różnorodnych inspiracji i odwołań do sztuki przeszłych epok. W jego dziełach można znaleźć zarówno motywy świeckie, jak i sakralne. Artysta często wykorzystuje sceny związane ze Starym i Nowym Testamentem, takie jak opowieści z Księgi Rodzaju czy Apokalipsy. Nie brakuje również elementów mitologicznych oraz alegorii dotyczących śmierci i przemijania. mnóstwo tu symboliki  i surrealistycznych przedstawień.

Do ulubionych tematów artysty należą jeźdźcy (jak na pierwszej grafice “Armia Poznań”) oraz przedstawienia alegoryczne, które poruszają kwestie związane z życiem, śmiercią, przemijaniem. Jeźdźcy apokalipsy, kolumny wojsk idących nieść śmierć i zniszczenie czy triumf i nowe?

Radosne oczekiwanie na przypływ w “Łodzi”, czy da owoce, czy przyniesie śmierć ? Nim to nastąpi. czy nie lepiej odwrócić głowę i żyć chwilą? Od młodości artysta związany był z Gdańskiem, stąd też w wielu pracach jego fantastyczne, biblijne i mitologiczne postaci wplecione są w motywy architektury gdańskiej jak w przypadku grafiki trzeciej.

W “Tańczącej” widać uwikłanie pozornie swobodnej, wolnej postaci pomiędzy życiem symbolizowanym przez dziecko i śmiercią (czaszka). Ten taniec nie niesie radości. Raczej jest to małpia gra w klatce przypominającej kształtem trumnę… Wymowa ponadczasowa. Alegorię można odnieść zarówno do życia w ogóle, jak i do życia w czasach pozornej wolności Polski w jakich przyszło żyć Stryjcowi. Pewnie i dziś znaleźlibyśmy wiele interpretacji w odniesieniu do życia społeczno-politycznego, ale nie brnijmy… Pozostawiam to Waszemu namysłowi.

Jeśli chodzi o formę, to wyraźnie widać zamiłowanie artysty do płynnej, lekko secesyjnej linii, która przyjmuje naturalne kształty postaci, a następnie z gracją przechodzi w geometryczne elementy kompozycji. Widać uwielbienie detalu i skrupulatność w budowaniu linią świata przedstawionego w grafikach, choć bez dosłowności. Skomplikowane na pierwszy rzut oka przedstawienia ujęte są w proste, czytelne kompozycje. Dzięki temu wydają się kompozycyjnie doskonałe. Grafiki Stryjca są bardzo dekoracyjne.

Stryjec w galeriach i muzeach

Uprawiał malarstwo, rzeźbę i ceramikę, a przede wszystkim grafikę. Ponieważ przez lata pracował przy redakcji  graficznej pism„Litery”, „Czas” i „Socjaldemokrata Gdański”. Stworzył kilka tysięcy prac.

W latach 60-tych brał udział w wielu wystawach i konkursach, gdzie zdobywał liczne nagrody i wyróżnienia głównie za swoje prace graficzne, rysunki, a później także za exlibrisy. Jego dzieła trafiły do wspaniałych prywatnych kolekcji na całym świecie. Znaleźć je można w Bibliotece Narodowej w Warszawie, bibliotece Polskiej Akademii Nauk w Gdańsku oraz w zbiorach Muzeum Narodowego w Warszawie i Gdańsku. Jego rysunki i grafiki wielokrotnie były prezentowane na licznych wystawach zbiorowych i indywidualnych zarówno w kraju, jak i za granicą.W galeriach sztuki można nabyć jego malarstwo, rysunki i grafikę (monotypie, gipsoryty, akwaforty) w tym popularne  wówczas exlibrisy (graficzne znaki własnościowe książek) i okazjonalne karty noworoczne,  rzadziej ceramikę. Przypomnę tylko, że monotypia swoją nazwę wzięła od pojedynczej odbitki powstała na skutek wykorzystania druku płaskiego. Gipsoryt to odbitka i technika graficzna druku wypukłego, w której matryca wykonana jest z gipsu. Natomiast Akwaforta to odbitka i technika druku wklęsłego, w której metalową matrycę wytrawia się kwasem w celu uzyskania rysunku.

 Stasys zachwyca mnie podobnie jak Was. Rozczula postaciami, zaskakuję podejściem i fascynuje umiejętnością lapidarnej wypowiedzi.
W chwili kiedy piszę ten post w galerii mam tylko Exlibrisy (małe formy graficzne, tworzone do oznaczania właścicieli poszczególnych egzemplarzy książek) ale może to i dobrze, bo pozwoli mi to skupić się tu na jednym elemencie rozległej twórczości artsyty. Poza tym to właśnie od ekslibrisu, a konkretnie od udziału w Międzynarodowym Biennale Exlibrisu w Malborku w 1973r. jeszcze jako student odniósł pierwszy sukces artystyczny. Ta mała forma graficzna fascynowała go do początku lat 80-tych. Równolegle zaczął przygodę z ilustracją i plakatem odnosząc kolejne sukcesy. Tworzy wykorzystując niezwykle proste techniki rysunkowe: pastele, węgiel, gwasz. Jest bardzo wszechstronny. Tworzy też instalacje przestrzenne, happeningi, rekwizyty do scenografii, jest reżyserem, także fotografem.

Ale wróćmy do ekslibrisu

Najbardziej reprezentuje twórczość artysty pojawiającą się w galeriach –  grafika środkowa “Ex libris Albert Collart” na cześć entomologa i największego kolekcjonera ekslibrisów Alberta Collarta. Centralna postać wśród przyrody, uskrzydlona, szlachetna, czy może bardziej “szlachecka” bo wąsata twarz człowieka otwartego, zahipnotyzowanego kolekcjonera… Przedstawienia postaci Teatr Twarzy, twarze-maski w pastelach, gwaszu i grafice niezmiennie budzą zainteresowanie kolekcjonerów.

Z lewej “Ex libris Poeticis E.P.”  to przedstawienie poetyckiego szału, czy twórczego urodzaju…
Z prawej “Ex libris Kristina Bartosz Edmund Puzdrowski” również nawiązuje do literatury i pisarza jako tego, który patrząc wgłąb siebie otwiera innym drzwi do wciągającej, innej rzeczywistości.

Zapisz się do Newslettera i obserwuj po więcej, aby poszerzyć swoją wiedzę i poznawać fascynujący świat sztuki.

Zobacz także:
💡  Jak inwestować w sztukę, nie wydając fortuny? 
💡  Dlaczego warto kupować grafiki i które mają największą wartość? 
💡  7 sposobów na wyrwanie się z impasu twórczego.
💡   Dlaczego Wydawanie Inkografii jest ważne dla Rozwoju Kariery Artystycznej?
💡 5 Pejzaży, które musisz Zobaczyć! Jak Współcześni Artyści wykorzystują Światło i Perspektywę Powietrzną.

Tworzenie dzieł sztuki to wspaniała przygoda. Niestety praca artysty nie zapewnia stabilnego dochodu i bezpieczeństwa.
Każdy artysta w swojej karierze ma lepsze i gorsze prace. Jakość pomysłów, wykonania, styl, a nawet sposób promocji i osiągnięty poziom obrazów, grafik może się zmieniać wraz z doświadczeniem, wiekiem, czy stanem psychicznym artysty. Znane są różne style w twórczości wybitnych artystów, okresy ciężkich chorób i biedy u schyłku ich życia. Znane są też krótkie kariery, w których artyści stworzyli tylko kilka wybitnych dzieł.
Nie ma gwarancji, że artysta utrzyma poziom kariery, dochodu, jakości prac, popularności na tym samym poziomie przez wiele lat. A co w przypadku choroby?

Z pomocą na te bolączki przychodzi współczesna technika. Druk printów  z wiernymi kopiami obrazów jest jednym ze sposobów zapewnienia stabilnego dochodu i rozwoju kariery artystycznej. Z perspektywy artysty i “galerniczki”  uważam wydawanie inkografii za niezwykle ważne dla artysty z kilku powodów:

1. Promocja
   Wydawanie inkografii umożliwia artystom dotarcie do większego grona odbiorców i promowanie swojej twórczości. Drukowane edycje prac mogą być prezentowane w galeriach, na wystawach sztuki, targach artystycznych i innych wydarzeniach, co pozwala na znalezienie nowych klientów i miłośników sztuki pomimo sprzedaży oryginalnych prac (brak dostępnych prac jest częstą blokadą przy organizacji wystaw).
2. Budowanie marki
   Reprodukowanie i sprzedawanie prac zmienia także postrzeganie kolekcjonerów na całokształt kariery artysty, oraz na dodatkową wartość i prestiż jaką uzyskuje w tej sytuacji reprodukowany oryginał, stanowiąc unikat. Każda reprodukcja limitowana staje się unikalna poprzez odręczny podpis, unikalny numer edycji i załączoną dokumentację (certyfikat, świadectwo autentyczności, dokument księgowy, pieczęcie, hologramy).
3. Inwestycja
   Inkografie, zwłaszcza te w limitowanych nakładach, mogą uzyskać wysoką wartość rynkową. Artysta może zarabiać na sprzedaży druków i rozwijać swoją karierę finansowo. Inwestowanie w produkcję i dystrybucję inkografii może prowadzić do wzrostu zainteresowania i wyceny prac artysty. Dodatkowo stały dochód zapewnia artyście bezpieczeństwo finansowe, czas na rozwijanie swojej kariery i podnoszenie poziomu umiejętności.
4. Zwiększone zasięgi
   Drukowane inkografie mogą dotrzeć do różnych miejsc i osób, które mogą nie mieć dostępu do oryginalnych dzieł sztuki. Artysta może zdobywać nowych fanów lub klientów na całym świecie, co sprzyja rozwojowi kariery. I znów pojawia się ważny argument – pomimo niedostępności oryginału. Często wraz ze sprzedażą oryginału zawęża się możliwość dalszego promowania danego działa. Reprodukowanie go nadaje mu nowe życie.
5. Utrwalanie dziedzictwa
   Wydawanie inkografii jest sposobem artysty na utrwalenie swojego dziedzictwa. Dzięki temu, nawet po śmierci artysty, jego prace mogą nadal być dostępne i doceniane przez pokolenia.
6. Dochód pasywny
   Dochód ze sprzedaży inkografii stanowi dochód pasywny, czyli nie wymaga wkładu pracy własnej artysty. Jest doskonałym zabezpieczeniem na starość, czy chorobę. Co więcej rodzina artysty po jego śmierci, dziedzicząc prawa autorskie może nadal czerpać zyski nie tylko z Droit de suite, ale również z reprodukcji obrazów i innych wydawnictw.
7. Eksperymentowanie
   z różnymi edycjami: Inkografie często umożliwiają artystom eksperymentowanie z różnymi technikami, materiałami i kolorami. Ta swoboda twórcza pozwala na rozwijanie i doskonalenie swojego stylu artystycznego. Twórca może udoskonalać i zmieniać inkografię cyfrowo. Może też ingerować  bezpośrednio w płótno, czy papier z wydrukiem poprzez dodanie pozłoty, różnych powierzchni fakturowych, dodatkowych pociągnięć pędzla, pasteli, pisaków…
   Może dodawać i zamalowywać elementy kompozycji.Podsumowując, wydawanie inkografii jest ważne dla rozwoju kariery artystycznej, ponieważ umożliwia artystom promocję swojej twórczości, pozyskiwanie nowych fanów, budowanie kariery artystycznej, zarabianie na sprzedaży druków, zwiększenie zasięgów swojej pracy, utrwalenie dziedzictwa artystycznego, tworzenie dochodu pasywnego, gwarancję zabezpieczenia dla spadkobierców i eksperymentowanie z różnymi technikami.Dlatego wspieram tego rodzaju przedsięwzięcia. Wiele przykładów inkografii prac znajdziecie w galerii Maya w zakładce
   INKOGRAFIE. Wśród nich znajdziecie takich artystów jak: Dwurnik, Olbiński, Sętowski, Cieślak, Owczarek, Bachanek, Borowicz, Jaśnikowski, Stokfisz, Jasiński, Świerzy, Żyngiel, Miliński, Schab, Brewka, Urbaniak, Fiodorowicz i oczywiście Wolf 😉

    

Zapisz się do Newslettera i obserwuj po więcej, aby poszerzyć swoją wiedzę na podobne tematy.

Zobacz także:

💡  Jak inwestować w sztukę, nie wydając fortuny?
💡  Dlaczego warto kupować grafiki i które mają największą wartość? 
💡  7 sposobów na wyrwanie się z impasu twórczego.
💡  Jak zacząć zarabiać na wydawaniu swoich prac będąc artystą?

Na rynku obecnie znaleźć można  reprodukcje obrazów w edycji limitowanej niemal wszystkich interesujących artystów współczesnych. Te unikalne dzieła sztuki to przede wszystkim niepowtarzalne i piękne przedmioty, które wzbogacają każde wnętrze i stanowią doskonały element dekoracyjny lub oryginalny prezent. W galeriach można je zakupić bez oprawy lub dobrać odpowiednią ramę według własnego gustu, czy do własnego wnętrza. Można je nabyć stacjonarnie ale także wysyłkowo, bez wychodzenia z domu. Są dostępne także w mojej galerii w zakładce INKOGRAFIE

Artysta tworzący reprodukcje wie, jak ważne jest, aby jego dzieła były wyjątkowe i oryginalne. Dlatego każda reprodukcja, którą tworzy, jest starannie wykonana i podpisana przez autora, co dodaje jej jeszcze większej wartości artystycznej.
Ale warto zauważyć, że reprodukcje w edycji limitowanej mają również inne zalety.
Są one bardzo cenione przez kolekcjonerów i inwestorów, ponieważ ich liczba jest ściśle określona i ograniczona.
Oryginalność jest poświadczona certyfikatem, a często jeszcze dodatkowo pieczęciami i hologramami. Taka ekskluzywność sprawia, że takie dzieła zyskują na wartości z czasem, co czyni je bardzo atrakcyjnymi dla inwestorów.

Z mojego doświadczenia podam 2 przykłady, które od razu przychodzą mi do głowy:

• 1) Inkografie prac Dwurnika, o które mamy regularnie zapytania i które 6-7 lat temu można było zakupić w naszej galerii od 520 zł. (dziś ceny zaczynają się od 3150 zł.),
• 2) Inkografie prac Dobkowskiego, które jeszcze kilka miesięcy temu były w sprzedaży od 520 zł,  dzisiaj trudno kupić je taniej niż za 2200 zł.

Oczywiście to przykłady radykalnych wzrostów cen. Jednak tego, kiedy one następują nie da się przewidzieć… czasem są to zdarzenia z życia osobistego artysty, czasem otrzymane nagrody i nagły zwrot w karierze artysty, a czasem nawiązanie współpracy z prestiżowymi galeriami i kolekcjonerami.

Jedno jest pewne: o wiele łatwiej i bezpieczniej zainwestować drobną sumę w zakup inkografii, niż poważną sumę w zakup oryginału.

Jeśli jesteście miłośnikami sztuki, poszukujecie interesujących dzieł do swojej kolekcji lub po prostu chcecie mieć wspaniały element dekoracyjny w swoim domu, gorąco polecam zakup reprodukcji w edycji limitowanej. To nie tylko atrakcyjna inwestycja, ale także piękna ozdoba, czy oryginalny prezent który będzie cieszyć oko przez długie lata.

Również ja, będąc twórcą zdecydowałam się na wydawanie inkografii moich prac.

 💡 Dlaczego wydawanie inkografii jest ważne dla rozwoju kariery artystycznej ?
💡 Dlaczego warto kupować grafiki i które mają największą wartość? 

O tym w kolejnych postach.
Po więcej informacji zapisz się do Newslettera. Znajdziesz tu informacje i sprawdzone porady dotyczące rynku, sztuki i ich  roli w naszym życiu.

A w kolekcji galerii Maya znajdziecie inkografie:  Dwurnika, Olbińskiego, Sętowskiego, Cieślaka, Owczarka, Bachanka,  Borowicz, Jaśnikowskiego, Stokfisza, Jasińskiego, Świerzego,  Żyngla, Milińskiego, Schaba, Fiodorowicza, Brewki, Urbaniaka i innych…